Announcing 38 Award-Winning Black & White Photographers!
I was deeply impressed by the emotional depth and technical mastery displayed across the board. From intimate personal stories to bold, conceptual work, the photographers demonstrated the powerful ability of monochrome to evoke timeless narratives. It was inspiring to see how each artist used the medium to explore complex themes and bring unique perspectives to life.”
picks
Luiza Kons’ photographs are full of personality, intimacy, humor, and carefree, tender moments. With a snapshot aesthetic, the work comes across as fresh, casual, and real. Kons combines photos that are not bounded by linear storytelling logic, nor are they limited to a specific style of imagery. In fact, it is this jumble of artistic approaches that makes the work feel very real and un-self-conscious. The group of pictures creates a mood and sensibility that feels intimate, random, impromptu and authentic.
In her statement about the project, Kons writes: “The outcome is a chaotic universe bound by strangeness, mistakes, imperfections. In a journey to invent life on our own terms.” Bravo!
Drew Waters' garden is a cultural stage, a theatre where the vices and whims of the bourgeoisie are staged.
A place that narrates the inhabitants of the house and their imagery, the choice of using flash shifts the narrative to a surreal level that allows the viewer to enter deeply into the world of the photographer.
Astrid Verhoef's 'Human/Nature' series is bold and striking, yet lures you in with a sense of curiosity. An anonymous figure (of the artist herself) faces out into a constructed geometric landscape, drawing us towards her own perspective. This gives a sense of who Astrid is as an artist. Working independently, and at scale, to create meticulous still life setups (this is done without AI generated imagery - only basic montages were used when needed), she has balanced each element serenely to create a surreal sense of beauty.
Sangjin Kim is my Juror's pick for his powerful, intimate portrayal of Korean life in Los Angeles. His work offers a nuanced exploration of the complexities of race relations and the struggles of fitting in, while also revealing the communities' internal politics. Kim captures both the beauty and tension of cultural identity in a way that is deeply personal and universally resonant.
Two men. A hand on a shoulder. A gesture.
I feel the touch. I know what it is like when someone else put their hand on my shoulder. Everything in this image floats together in shapes and textures that fit so well. This is two wrestlers? I am surprised. Puzzled. How can a touch from a wrestler be that gentle? This is how I would touch my loved one.
Tell him that I am taking care of him no matter what. This is the image that touched me the most, this is the image that started as a knot in my stomach and finally made me shiver.
Photographers use AI tools for different purposes: idea generators, hybrid incubators, and simple editors. Norberto Pezzotta studies and questions the tool itself and how it shapes our beliefs and ideals. Augmented Reality puts AI, beauty, and humanness under the microscope, highlighting the importance of working outside the tool to maintain our integrity, authenticity, and diversity. In Pezzota’s laboratory-like settings, an experiment is underway that brings together the ever-sharp AI-generated creations, masking the softer presence of the human form, often dissolving, becoming a distant memory. Who makes up the algorithmic ideals that we prescribe to? This work asks us to step back, see the many possibilities of what we find beautiful, and question why.
Richard Cannon’s work effectively merges the personal memories of D-Day veterans with historical context, creating a powerful and moving piece. By overlaying their present-day portraits with archival images from their past experiences, the work transcends time and conveys a universal message. The contrast between the intensity of war and the peaceful demeanor of the veterans today creates a visually striking impact.
Moreover, the use of black-and-white photography plays an essential role in seamlessly connecting the past and present, highlighting the gravity of history while adding an emotional depth to the piece. The monochrome palette eliminates distractions and focuses the viewer's attention on the subject's story, enhancing the overall experience.
The Black & White Photography Awards 2024 reminded me of my first love for photography in my high school darkroom, where my teacher let me in early to start processing—a passion that carried me through college. The range of submissions this year was both inspiring and challenging to evaluate, as making selections can feel deeply personal. I aimed to choose work that invites introspection from a wide range of viewers, highlighting the power of monochrome to distill moments into their purest forms.”
Our International Jury
Michael Foley otworzył swoją imienną galerię jesienią 2004 roku po czternastu latach pracy w znanych galeriach fotograficznych, w tym Fraenkel Gallery, Howard Greenberg Gallery i Yancey Richardson Gallery.
W 2002 roku Foley kontynuował swoje zainteresowanie edukacją i współpracą z artystami, pracując na wydziałach School of Visual Arts, Fashion Institute of Technology oraz International Center of Photography, gdzie prowadzi zajęcia i wykłady na temat współczesnej fotografii na poziomie licencjackim i magisterskim.
W 2023 roku dołączył do Leica jako dyrektor galerii w New York Meatpacking Store & Gallery.
Foley mieszka na Manhattanie z żoną, Mayą, i synem, Jackiem.
Mee-Lai Stone jest redaktorką zdjęć w dziale Kultury The Guardian. Jest częścią międzynarodowego zespołu, który wybiera i produkuje codzienne galerie fotograficzne online, eseje, artykuły i pojedyncze zdjęcia, które są udostępniane globalnej publiczności czytelników The Guardian.
Jacob Aue Sobol jest nagradzanym fotografem i członkiem Magnum Photos. Opublikował kilka monografii swojego unikalnego, ekspresyjnego stylu fotografii czarno-białej i szeroko wystawiał swoje prace. Jego obrazy koncentrują się na uniwersalności ludzkich emocji i poszukiwaniu miłości w często surowych warunkach.
Urodzony w Kopenhadze, Dania w 1976 roku, mieszkał w Kanadzie, na Grenlandii i w Tokio, zanim wrócił do Danii w 2008 roku. Od tego czasu dużo podróżował, fotografując na Syberii, w Tajlandii, Mongolii, Ameryce i Chinach, pozostając w Kopenhadze.
Jego książka "I, Tokyo” została nagrodzona Leica European Publishers Award w 2008 roku. W 2012 roku zaczął fotografować wzdłuż Kolei Transsyberyjskiej i spędził następne pięć zim, fotografując w odległej rosyjskiej prowincji Jakucja do swojego projektu "Road of Bones." Ma trwające projekty w Danii ("Home") i Stanach Zjednoczonych ("America").
Urodzony w Cortonie w 1981 roku, po latach spędzonych na robieniu zdjęć Antonio postanowił zamienić marzenie w prawdziwy projekt; i tak w 2011 roku narodził się Cortona On The Move, międzynarodowy festiwal fotografii i narracji wizualnej stworzony razem z grupą przyjaciół. W ciągu dziesięciu lat Cortona On The Move stał się jednym z najważniejszych festiwali fotograficznych w Europie. Antonio jest obecnie zastępcą dyrektora w Gallerie d'Italia w Turynie, zlokalizowanej na Piazza San Carlo: czwartym muzeum Intesa Sanpaolo obok tych w Mediolanie, Neapolu i Vicenzy. Przestrzeń wystawiennicza poświęcona fotografii zajmująca 9 000 m2 w Palazzo Turinetti, w samym sercu Turynu.
Kris Graves jest artystą i wydawcą z siedzibą w Nowym Jorku i Kalifornii. Jest założycielem MONOLITH EDITIONS, czarnej oficyny wydawniczej poświęconej prezentowaniu prac artystów kolorowych w różnych mediach, które poruszają kwestie rasy, tożsamości, równości, płci, seksualności i klasy.
W swojej fotografii używa mieszanki praktyk konceptualnych i dokumentalnych, aby zgłębiać subtelności władzy społecznej i kapitalizmu, oraz inne ważne tematy.
Graves jest również członkiem zarządu Blue Sky Gallery: Oregon Center for the Photographic Arts w Portland oraz The Architectural League of New York jako Wiceprezes ds. Fotografii.
Yumi Goto, niezależna kuratorka z Japonii, specjalizuje się w kompleksowej produkcji, kuratorstwie, edycji zdjęć, publikowaniu, badaniach, konsultingu, edukacji i rozwoju talentów związanych z fotografią. Jej główne zainteresowania to konflikty, współczesne problemy społeczne, naruszenia praw człowieka oraz problemy kobiet. Yumi była zaangażowana w kampanie fotograficzne i publikacje dla organizacji humanitarnych i praw człowieka, a także w ocenianie, nominacje, kuratorstwo i produkcję międzynarodowych nagród fotograficznych, festiwali fotograficznych i wydarzeń. Jest również współzałożycielką i kuratorką "Reminders Photography Stronghold" (RPS), wspierającą różnorodne działania związane z fotografią. Dodatkowo, w 2020 roku założyła „RPS KYOTO PAPEROLES” i od tego czasu jest aktywnie zaangażowana w jego działalność.
Jim Casper jest redaktorem naczelnym LensCulture, jednego z wiodących internetowych miejsc do odkrywania nowej współczesnej fotografii z całego świata. Jako aktywny członek świata współczesnej fotografii, Casper uwielbia spotykać się z fotografami i rozmawiać o fotografii. Kuratoruje wystawy sztuki, publikuje książki, prowadzi warsztaty, pełni rolę międzynarodowego jurora, nominuje fotografów do kluczowych nagród i jest doradcą organizacji zajmujących się sztuką i edukacją.
