Announcing 38 Award-Winning Black & White Photographers!
I was deeply impressed by the emotional depth and technical mastery displayed across the board. From intimate personal stories to bold, conceptual work, the photographers demonstrated the powerful ability of monochrome to evoke timeless narratives. It was inspiring to see how each artist used the medium to explore complex themes and bring unique perspectives to life. ”
picks
Luiza Kons’ photographs are full of personality, intimacy, humor, and carefree, tender moments. With a snapshot aesthetic, the work comes across as fresh, casual, and real. Kons combines photos that are not bounded by linear storytelling logic, nor are they limited to a specific style of imagery. In fact, it is this jumble of artistic approaches that makes the work feel very real and un-self-conscious. The group of pictures creates a mood and sensibility that feels intimate, random, impromptu and authentic.
In her statement about the project, Kons writes: “The outcome is a chaotic universe bound by strangeness, mistakes, imperfections. In a journey to invent life on our own terms.” Bravo!
Drew Waters' garden is a cultural stage, a theatre where the vices and whims of the bourgeoisie are staged.
A place that narrates the inhabitants of the house and their imagery, the choice of using flash shifts the narrative to a surreal level that allows the viewer to enter deeply into the world of the photographer.
Astrid Verhoef's 'Human/Nature' series is bold and striking, yet lures you in with a sense of curiosity. An anonymous figure (of the artist herself) faces out into a constructed geometric landscape, drawing us towards her own perspective. This gives a sense of who Astrid is as an artist. Working independently, and at scale, to create meticulous still life setups (this is done without AI generated imagery - only basic montages were used when needed), she has balanced each element serenely to create a surreal sense of beauty.
Sangjin Kim is my Juror's pick for his powerful, intimate portrayal of Korean life in Los Angeles. His work offers a nuanced exploration of the complexities of race relations and the struggles of fitting in, while also revealing the communities' internal politics. Kim captures both the beauty and tension of cultural identity in a way that is deeply personal and universally resonant.
Two men. A hand on a shoulder. A gesture.
I feel the touch. I know what it is like when someone else put their hand on my shoulder. Everything in this image floats together in shapes and textures that fit so well. This is two wrestlers? I am surprised. Puzzled. How can a touch from a wrestler be that gentle? This is how I would touch my loved one.
Tell him that I am taking care of him no matter what. This is the image that touched me the most, this is the image that started as a knot in my stomach and finally made me shiver.
Photographers use AI tools for different purposes: idea generators, hybrid incubators, and simple editors. Norberto Pezzotta studies and questions the tool itself and how it shapes our beliefs and ideals. Augmented Reality puts AI, beauty, and humanness under the microscope, highlighting the importance of working outside the tool to maintain our integrity, authenticity, and diversity. In Pezzota’s laboratory-like settings, an experiment is underway that brings together the ever-sharp AI-generated creations, masking the softer presence of the human form, often dissolving, becoming a distant memory. Who makes up the algorithmic ideals that we prescribe to? This work asks us to step back, see the many possibilities of what we find beautiful, and question why.
Richard Cannon’s work effectively merges the personal memories of D-Day veterans with historical context, creating a powerful and moving piece. By overlaying their present-day portraits with archival images from their past experiences, the work transcends time and conveys a universal message. The contrast between the intensity of war and the peaceful demeanor of the veterans today creates a visually striking impact.
Moreover, the use of black-and-white photography plays an essential role in seamlessly connecting the past and present, highlighting the gravity of history while adding an emotional depth to the piece. The monochrome palette eliminates distractions and focuses the viewer's attention on the subject's story, enhancing the overall experience.
The Black & White Photography Awards 2024 reminded me of my first love for photography in my high school darkroom, where my teacher let me in early to start processing—a passion that carried me through college. The range of submissions this year was both inspiring and challenging to evaluate, as making selections can feel deeply personal. I aimed to choose work that invites introspection from a wide range of viewers, highlighting the power of monochrome to distill moments into their purest forms. ”
Our International Jury
Michael Foley ha aperto la sua galleria omonima nell'autunno del 2004 dopo quattordici anni di lavoro con gallerie fotografiche di rilievo, tra cui Fraenkel Gallery, Howard Greenberg Gallery e Yancey Richardson Gallery.
Nel 2002, Foley ha continuato il suo interesse per l'educazione e il lavoro con gli artisti facendo parte della facoltà della School of Visual Arts, del Fashion Institute of Technology e dell'International Center of Photography, dove insegna e tiene conferenze su temi di fotografia contemporanea a livello universitario e post-universitario.
Si è unito a Leica nel 2023 come Direttore della Galleria del New York Meatpacking Store & Gallery.
Foley vive a Manhattan con sua moglie, Maya, e suo figlio, Jack.
Mee-Lai Stone è Picture Editor, Cultura per The Guardian. Fa parte del team internazionale che seleziona e produce quotidianamente gallerie fotografiche online, saggi, articoli e immagini singole da condividere con il pubblico globale di lettori di The Guardian.
Jacob Aue Sobol è un fotografo pluripremiato e membro di Magnum Photos. Ha pubblicato diversi monografie del suo stile unico ed espressivo di fotografia in bianco e nero ed ha esposto il suo lavoro in tutto il mondo. Le sue immagini si concentrano sull'universalità delle emozioni umane e sulla ricerca dell'amore in ambienti spesso difficili.
Nato a Copenaghen, Danimarca, nel 1976, ha vissuto in Canada, Groenlandia e Tokyo, prima di tornare in Danimarca nel 2008. Ha viaggiato molto negli anni successivi, fotografando in Siberia, Thailandia, Mongolia, America e Cina, mantenendo la sua base a Copenaghen.
Il suo libro "I, Tokyo" ha vinto il Leica European Publishers Award nel 2008. Nel 2012 ha iniziato a fotografare lungo la Ferrovia Transiberiana e ha trascorso i successivi cinque inverni fotografando nella remota provincia russa di Yakutia per il suo progetto "Road of Bones." Ha progetti in corso in Danimarca ("Home") e negli Stati Uniti ("America").
Nato a Cortona nel 1981, dopo anni trascorsi a scattare fotografie Antonio ha deciso di trasformare un sogno in un progetto reale; e così, nel 2011, è nato Cortona On The Move, un festival internazionale di fotografia e narrazione visiva creato insieme a un gruppo di amici. In dieci anni Cortona On The Move è diventato uno dei festival di fotografia più importanti d'Europa. Antonio è attualmente vicedirettore delle Gallerie d'Italia a Torino, situate in Piazza San Carlo: il quarto museo di Intesa Sanpaolo accanto a quelli di Milano, Napoli e Vicenza. Uno spazio espositivo dedicato alla fotografia che copre 9.000 m2 in Palazzo Turinetti, proprio nel cuore di Torino.
Kris Graves è un artista ed editore con sede a New York e California. È il fondatore di MONOLITH EDITIONS, una casa editrice di proprietà nera dedicata a mostrare il lavoro di artisti di colore attraverso vari mezzi che affrontano questioni di razza, identità, equità, genere, sessualità e classe.
Nella sua fotografia, utilizza una combinazione di pratiche concettuali e documentarie per esplorare le sottigliezze del potere sociale e del capitalismo, tra altri importanti argomenti.
Graves fa anche parte del consiglio di amministrazione della Blue Sky Gallery: Oregon Center for the Photographic Arts, Portland; e della The Architectural League of New York come Vice Presidente della Fotografia.
Yumi Goto, una curatrice indipendente con sede in Giappone, è specializzata in produzione, curatela, editing fotografico, pubblicazione, ricerca, consulenza, educazione e sviluppo di talenti legati alla fotografia. I suoi principali interessi riguardano i conflitti, le questioni sociali contemporanee, le violazioni dei diritti umani e le questioni femminili. Yumi è stata coinvolta in campagne fotografiche e pubblicazioni per organizzazioni umanitarie e per i diritti umani, oltre che in giurie, nomination, curatela e produzione per premi fotografici internazionali, festival fotografici ed eventi. È anche co-fondatrice e curatrice di "Reminders Photography Stronghold" (RPS), facilitando attività versatili legate alla fotografia. Inoltre, ha fondato il “RPS KYOTO PAPEROLES" nel 2020 e da allora è attivamente coinvolta.
Jim Casper è il direttore responsabile di LensCulture, una delle principali destinazioni online per scoprire la nuova fotografia contemporanea da tutto il mondo. In quanto membro attivo nel mondo della fotografia contemporanea, Casper ama incontrare fotografi e parlare di fotografia. Cura mostre d'arte, pubblica libri, conduce workshop, serve come giurato internazionale, nomina fotografi per premi chiave ed è un consulente per organizzazioni artistiche ed educative.
