Inspiration!
LensCulture is proud to announce 39 excellent photographers as winners, jurors’ picks and finalists of the 2018 Exposure Awards. Selected by a diverse, international jury, the award-winning photographers hail from 16 countries, representing an intriguing and inspiring cross-section of contemporary photography today.
These remarkable projects feature work covering a broad range of genres and subjects, from fine art and conceptual work, to documentary, portrait, visual storytelling, fictional narratives, poetic and personal interpretations, current events, alternative process, staged photos and more. Each of these photographers, in their own way, shows masterful control of the visual language of photography, and each offers a unique point of view that—according to the experts on our jury—deserves world-wide recognition. We hope you discover several projects here that truly inspire you.
Series Winners
“The variety and quality of the entries to this year’s LensCulture Exposure Awards was really thrilling. From deeply personal projects to the cleverly observed and most vivid of interpretations, the photographers each demonstrated their accomplishments with flair. The competition was fierce, so a huge congratulations to all those who made the shortlist.”
Head of Photography, the Guardian
Single Image Winners
“Sites such as LensCulture, which offer new perspective on the world via a wide range of photographs, are an important means of combatting the isolationism that’s profoundly impacting our lives these days.”
Assistant Curator of the Department of Photographs, Getty Museum
Jurors’ Picks
Each of the eight jury members selected one photographer to be awarded special distinction and a cash grant. Here are the jurors’ special selections, with a brief quote from each juror explaining what they especially appreciate about these photographers and their work.
Bastiaan’s series "Mukono" is compelling. I was captivated by the portrait of a child, Queen of Mukono, draped in a modest, multi-patterned flowing dress. It is her cloth crown, direct gaze, and piercing eyes that portray a young girl far beyond her years.
Inherent in each portrait are visual narratives with themes of endurance, adversity and hardship paired with bold lines of simplicity, integrity and pure strength. The landscapes are dusted with roads to nowhere that contain a loosely-built “fisherman cottage" rooted as if it has been present a hundred years before and will remain for a hundred years to come.
This series is about clean drinking water (or rather, the lack of it) in the small village of Mukono, Uganda and how its inhabitants live day-to-day, purposefully, despite this difficulty. It is the brilliance of Bastiaan’s unique stylistic approach that encourages the viewer to be absolute and present with each image, as they ultimately imprint themselves permanently into our visual vocabulary.
Matthew Casteel photographed the interiors of thousands of cars driven by veterans (mostly from the conflict in Vietnam) in the Asheville, North Carolina, area. The project grew out of Casteel’s years of employment as a valet at a VA hospital in Asheville. It’s a thoughtful reconsideration of what most of us would never take the time to look at. And the collective body of work makes me uncomfortable in a way that being in a stranger’s bedroom or closet would. It’s hard to look away, and I’m so grateful for that.
Coupling letters with such tender, calmly observed portraits of her subjects has produced a profoundly affecting series. Haruka Sakaguchi has revealed so much to reflect upon and shown us what we can learn from the experiences and wisdom of these survivors. It seems a particularly resonant project at this time of political turbulence and mistrust among nations.
In our current age that floods us with a non-stop flow of images, it is easy to feel jaded, or to tune out the meaning behind pictures simply because we do not have the capacity to maintain empathy, compassion, and concern for everything that we are exposed to. The risk of overlooking or dismissing photos becomes even more prevalent when we believe that we have already seen similar images too many times before—we become hardened by a sense of déjà vu, and as such, we stop looking and stop seeing pictures that might be telling us important stories.
So, Chris Kirby’s visual strategy of adding marks of distress and unusual areas of faded colors to his straightforward black-and-white environmental portraits helps them visually break through the clutter. When we take the time to look more carefully at each (underlying) photo, we discover poignant moments and striking details that help us connect with the people there, and their personal situations. These specific photos—especially when experienced as a series—then work well to convey more universal stories of a large segment of people who deserve society’s attention.
Amidst ongoing debates over immigration and refugees, I found myself returning repeatedly to Jason Florio’s portfolio. Through thoughtful compositional choices, a careful selection and sequence of images, and the decision to share his work in tones of black-and-white rather than in color, he brings attention to the stark plight of migrants in the Mediterranean.
Namsa Leuba is an extremely talented artist whose work is contributing actively to the ongoing bloom of visual work arriving from the African continent. The series she presented for LensCulture was executed in the Republic of Benin and depicts imagined narratives inspired by the local animist traditions of the vodun (voodoo). The title of the series, "Weke," means “the visible and invisible universe, all things created, living, breathing or not” in the local language.
Inspired by the visual codes and symbols of voodoo, Leuba constructed a performative photographic series. By sourcing models and creating unique costumes, she reenacts important rituals that result in a fictive portrayal of new types of communities.
This is the fertile ground that the artist also uses to reflect on herself and her identity as a Guinean/Swiss woman, the politics of the gaze and the concept of the (exotic) other. And finally, the influence that a Westernized perspective has on it all. Everything is expressed in her distinctive, signature visual style. My absolute favourite from this competition and, overall, a beautiful body of work.
It was not a surprise to discover that Dylan is also a filmmaker. His series manages that complex achievement of spinning narrative from the space in between individual images, building a multiplicity of storylines and tangents from images dripping with foreboding. I wanted to see more pictures and I would love to know how he would sequence a book from this series.
Daphne Rocou’s collection “Paradisi Regained” is an artistic discussion of contemporary issues relating to poverty and education. I was drawn to not only Daphne’s use of color, costumes, and storytelling, but to her creative approach that reflects the challenges we still face in various parts of the world, especially when addressing rural life. Her approach of engaging us on this complex topic is a reflection of her resourcefulness in creating art with a purpose.
“It was an honor to be part of the LensCulture jury. I came away with a renewed excitement about photography and discovered photographers that I hope to be able to work with here at The New York Times Magazine.”
Photo Editor, The New York Times Magazine
Finalists
Exposure Awards 2018 Jury
Стейси Бейкер — фоторедактор журнала The New York Times Magazine. Курирует съёмки для еженедельного издания и отбирает материалы на самые разные темы, включая спорт, политику, религию и поп-культуру. Работает с мастерами репортажной, портретной, художественной, концептуальной фотографии со всего мира, среди которых Алек Сот, Дэймон Винтер, Радди Рой, Стефани Синклер, Надав Кандер и Кэти Греннан. Ранее Стейси руководила фотослужбой в More Magazine.
Мэйзи Харрис, кандидат наук — помощница куратора отдела фотографии Музея Гетти в Лос-Анджелесе. Ведёт исследовательскую работу, отвечает за формирование постоянной коллекции музея и проведение временных выставок. Участвовала в стипендиальных программах фонда Terra Foundation, Метрополитен-музея, Национальной портретной галереи, Национальной галереи искусств, Библиотеки Конгресса. Работала с коллекциями фотографии Музея Дэвиса при колледже Уэллсли, музея искусств Род-Айлендской школы дизайна, Гарвардского художественного музея.
Майкл Мак — издатель, пишет тексты, оформляет, редактирует и публикует книги по искусству, фотографии и теории критики. В его портфолио около 500 изданий, в том числе ряд наиболее значимых книг по искусству последнего двадцатилетия. Ранее занимал пост управляющего директора в издательстве Steidl, где разработал и выпустил серию SteidlMACK. В 2010 году основал собственный издательский дом. Тесно сотрудничает с признанными и молодыми художниками, писателями, кураторами, а также с ведущими организациями в сфере культуры, заинтересованными в продвижении книги как вида искусства.
В 2011 году Майкл был удостоен почётной степени доктора искусств Плимутского университета за вклад в развитие книгоиздания. В 2012 году совместно с Уилсонским центром фотографии и фондом Kraszna-Krausz учредил книжную премию First Book Award для молодых и перспективных фотографов. В 2017 году получил премию в области издательства фотокниг Photographic Publishing Award Королевского фотографического общества.
Элиса Медде — шеф-редактор журнала Foam Magazine с 2012 года. Журнал Foam выходит трижды в год, включая два тематических номера и один — о фотографах до 35 лет (так называемый «выпуск о молодых талантах»). Как член редакционной коллегии Медде участвует в подготовке всех выпусков журнала: подбирает материалы, даёт задания фотографам и авторам. До Foam работала в различных культурных учреждениях, издательских домах и некоммерческих организациях; вела независимую кураторскую и исследовательскую деятельность. В сфере её интересов — взаимоотношения изображения и власти, в частности в контексте современной фотографии, а также развитие визуальной грамотности.
Фиона Шилдс работала фоторедактором в периодических изданиях более двадцати лет, последние девять — в The Guardian. Недавно возглавила отдел фотографии в группе компаний Guardian News and Media. На протяжении своей карьеры участвовала в освещении важнейших событий нашего времени: террактов 11 сентября, международных конфликтов, Арабской весны и многих других. Наряду с основной работой в газете Фиона выступает на фотофестивалях, читает лекции студентам фотожурналистики. Входила в состав жюри таких конкурсов, как Sony World Photography Awards, UK Picture Editors Guild Awards и Renaissance Photography Prize. В числе последних достижений: выдвижение кандидатов на получение премии Prix Pictet и выбор победителей престижного конкурса портретной фотографии Taylor Wessing Portrait Prize.
Мулунех начала карьеру с должности фотожурналиста в Washington Post; сотрудничала с рядом международных изданий. Фотографии Мулунех выставлялись по всему миру и хранятся в коллекциях Национального музея африканского искусства, Художественного музея Худ, Музея библейского искусства. Как один из ведущих экспертов Африки в области фотографии Аида входит в состав судейских комиссий многочисленных фотоконкурсов, в том числе Sony World Photography Awards 2017 и World Press Photo Contest 2017. Основательница и директор Addis Foto Fest (AFF) — первого международного фестиваля фотографии в Восточной Африке, который проходит в Аддис-Абебе с 2010 года. Преподаёт, курирует выставки. Созданные Аидой компании DESTA («развитие и образование общества посредством искусства») и DFA (For Africa Creative Consulting PLC) участвуют в реализации местных и международных культурных проектов.
Вот уже 26 лет Анна Уокер Скиллман активно участвует в жизни арт-сообщества. Её карьера началась в Haines, одной из самых видных галерей современного искусства в Сан-Франциско. В марте 2003 года г-жа Скиллман приобрела галерею Jackson Fine Art. Благодаря выставкам молодых и признанных мастеров фотографии ей удалось сохранить и подкрепить безупречную репутацию галереи. Основное внимание уделяет искусству 20 века и творчеству современников, верна своим идеалам и вносит существенный вклад в развитие арт-сообщества Атланты.
Джим Каспер — главный редактор LensCulture, одной из ведущих онлайн-площадок, представляющих современную фотографию со всего мира. Как активный участник мирового сообщества современной фотографии Джим Каспер организует ежегодные фотографические события, встречи с фотографами и портфолио-ревю в разных странах, курирует выставки, пишет о фотографии и искусстве, читает лекции, проводит мастер-классы, входит в судейские комиссии и выбирает победителей в ключевых номинациях международных конкурсов, консультирует организации в сфере искусства и образования. Является членом правления SPE, Общества фотографического образования — крупнейшей мировой ассоциации преподавателей фотографии.
Exhibition at Photo London
All of the selected photographers from the 2018 Exposure Awards will be exhibited at Somerset House during Photo London, London’s premier photography fair. Hope to see you there!
Somerset House, London
May 17-20, 2018
Thank You
LensCulture would like to thank every photographer who participated in this competition — your entries, which came from all over the world, have been a true inspiration to view and consider! We would also like to extend our sincere gratitude to the members of the jury who worked long and hard reviewing the entries to the competition and ultimately selecting the brilliant work displayed here.